Gizmodo examine de nombreuses œuvres d’art sur Internet ces jours-ci, mais vous devrez numériser plus loin que Google Arts et Culture pour le trouver. Nous avons donc demandé de l’aide aux artistes sur Internet. Aujourd’hui, Anthony Antonellis nous raconte son long travail pour convaincre les portiers que l’art sur Internet est plus qu’un cheminement de carrière non rentable.

« Le monde de l’art … se sentait comme le marché de l’art »

Anthony Antonellis évoque des mirages de richesse sur les sites Web, souvent comme révoltant contre les imposteurs qui ne peuvent apprécier le travail que s’il est assorti d’un prix élevé. Dans un premier site Web, putitonapedestal.com, les visiteurs peuvent faire glisser de petites icônes de piédestal dans un espace de la galerie, puis placer des gifs au-dessus d’eux. Dans le sardonique “Document», Il oblige un collectionneur potentiel à dépenser de l’argent en crachant du papier coloré d’une imprimante jusqu’à épuisement de l’encre. Le texte correspondant note:

Une fois exécuté, Document est un produit cher. Avec un coût moyen de 3800 € / litre, l’encre pour jet d’encre grand public est l’une des substances les plus précieuses au monde. Une cartouche d’encre d’une valeur de 8 litres coûte le même prix que l’Audi A4 2012.

« Document » a été fait la même année « The Scream » a battu des records d’enchères à une vente de près de 120 millions de dollars, causant beaucoup de sombre réflexion sur la fonction du monde de l’art en tant que lieu où les riches cachent leur argent.

D’autres réfléchissent davantage aux souhaits superficiels de la personne moyenne, nous taquinant avec des contrefaçons numériques de billets de cent dollars et vendre un Pologne Bouteille de printemps «infusée» avec un bracelet Power Balance. Un Facebook Bouton «bonheur» permet aux demandeurs de popularité de cliquer sans cesse pour voir plus de notifications Facebook. Un montage narré de séquences d’archives inspirantes, « Closer.mp4», Raconte l’histoire d’un extraterrestre qui s’assimile à l’Amérique des entreprises, mais qui ne parvient pas à un véritable épanouissement.

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Sans surprise, Antonellis s’est battu pour la validité du net art avant de savoir que le net art existait et de vouloir faire jurer avec excitation l’artiste Lorna Mills devant un gif.

Avant mon entrée dans l’art Internet, j’avais été découragé de ne jamais mélanger la technologie numérique et les beaux-arts, sauf s’il s’agissait d’une exploration formaliste des nouveaux médias. Enfant dans les années 90, j’adorais la programmation, la conception de sites Web, la création de gifs et j’aimais créer des œuvres d’art. Au lycée, j’ai fondé le club d’art de notre école avec mes amis artistes. Lorsque nous avons essayé de collecter des fonds pour le club d’art, j’ai fait une série d’affiches GIF animées pour inciter les étudiants à rejoindre, mais ils ne m’autorisaient pas à les mettre sur le site Web. On nous a dit qu’ils ne feraient la promotion que des clubs étudiants ayant des «parcours de carrière rentables».

Même au premier cycle, il n’y avait pas de mélange Ps et Q. Ils n’autoriseraient pas les images numériques dans votre portefeuille, car elles auraient pu être manipulées. Je me souviens d’un professeur de peinture me balançant dessus, disant qu’il n’y avait aucun moyen de prouver la paternité ou l’attribution d’une œuvre numérique, comme un moyen de la dévaluer. Je me suis inscrite comme majeure en art informatique [at SCAD], mais n’a jamais suivi un seul cours d’art informatique. Tout était destiné à pomper les animateurs Pixar ou à créer des graphiques pour des spectacles sportifs.

Je n’ai pas fait le saut avant les études supérieures, lorsque j’étudiais l’art public. Et j’ai été vraiment découragé par le format répandu pour montrer le travail en ligne, qui était une reconstitution plate, morte et triste d’un mur de musée, comme le site Arts and Culture de Google, ou presque tous les sites Web de musées. J’ai dû faire beaucoup pour convaincre mes conseillers de thèse allemands de voir Internet comme un moyen valable pour faire l’expérience du travail.

J’ai commencé par communiquer avec les GIF au bon vieux temps de Google+, où j’ai rencontré tant de grands artistes comme Lorna Mills. Nous avons en fait parlé pendant des mois uniquement en communiquant avec des GIF et des avantages. Je me souviens juste d’avoir essayé de publier des messages qui la faisaient jurer d’excitation. Il y avait un grand Gli.tc/h mouvement à l’époque – Rosa Menkman, Jon Satrom et Nick Briz. Théoriquement, ils ont eu une énorme influence. Glitch était d’exploiter, d’exposer et d’embrasser les dysfonctionnements technologiques comme moyen de mieux comprendre le fonctionnement d’une technologie. Donc, ignorer les fins prévues, ou faire des erreurs, percer le quatrième mur.

J’ai rencontré le premier groupe d’artistes hors ligne en participant à l’un des cybercafés d’Aram Bartholl Spectacles de vitesse, des expositions où le conservateur louait chaque station dans un cybercafé et exposait une œuvre d’art différente sur chaque ordinateur. Ils étaient particulièrement populaires parce que ces cafés vendaient également de la bière et de l’alcool afin que vous puissiez avoir une ouverture qui ressemblait à une ouverture de galerie. putitonapedestal.com était pour l’un de ces spectacles de vitesse. C’était l’idée que la seule façon d’élever les GIF était de faire voir aux institutions quelque chose qu’elles avaient l’habitude de voir.

J’ai commencé l’archivage [internet] données d’exposition sur netartnet.net, une archive de communiqués de presse et un centre de liens, en 2011. Mais les institutions ont propagé le problème en limitant l’accès à de nombreux artistes du net et des artistes des nouveaux médias – la seconde où ils étaient représentés dans une galerie, ils mettaient leur travail hors ligne. Certains m’ont même écrit en me disant de prendre leurs noms et de travailler sur netartnet.net.

Une fois que j’ai fait putitonapedestal.com, Je pouvais voir le nombre de vues et interagir avec un public. Accrocher un tableau dans une galerie, je ne pouvais m’engager que pendant mon séjour. Au cours d’une exposition, peut-être quelques centaines ont tout au plus vu mon travail. En ligne, je verrais tout le trafic Web – tant de gens mettraient mon serveur hors ligne. Et c’était immédiat, vous pouviez faire quelque chose dans votre studio et y jeter un œil dès que vous aviez fini. C’était donc le crochet. Et puis j’ai positionné ma pratique vers Internet, et réglé de la même manière qu’auparavant, juste avec ce nouveau public et cet engagement. Il est passé de «regardez ce que je peux faire» à «regardez ce que je peux faire, consciemment».

J’ai travaillé pour une galerie incroyable dès le premier cycle, j’ai eu le privilège de côtoyer de grandes œuvres et des expositions. Mais j’ai aussi vu l’autre côté des choses, le côté de l’argent, les foires d’art et le courtage; beaucoup de choses décourageantes qu’un artiste ne devrait probablement pas voir, mais doit comprendre s’il envisage d’être un artiste de galerie. Je me fâche quand j’y pense. J’ai trop de diatribes à ce sujet, les institutions en général. Le «monde de l’art» n’avait pas l’impression qu’il s’agissait d’artistes et de public, il ressemblait simplement au marché de l’art. C’est peut-être une technique de survie pour les musées et les galeries, mais j’ai ressenti, et je sens toujours, que les œuvres qui ne peuvent pas tourner la balle ne suscitent guère d’intérêt.

Je pense que ce fut une route lente et régulière. Les collectionneurs, les musées et les universitaires ne sont pas de vrais preneurs de risques; une fois que quelque chose dans leur lunette arrière s’avère viable, ils peuvent placer leurs paris en toute sécurité. Je pense que le mouvement et les œuvres d’art qui ont été reconnus au cours de la dernière décennie environ sont déjà en train de valider. L’art net est abordé dans les programmes des écoles d’art, il n’est pas uniquement relégué à un cours sur des sujets spéciaux. Finalement, si ce n’est pas déjà fait, cela se répercutera dans d’autres domaines de l’éducation artistique – les lycées, et cetera. Et j’espère que les jeunes artistes seront exposés à l’intégralité de ce qui existe, et n’auront pas à le découvrir par eux-mêmes plus tard, ni à argumenter pour sa validité.