Maintenant c’est plus comme ça


Maintenant, c’est plus comme ça.

Arcade Fire est devenu le plus grand groupe de rock indépendant de sa génération – un groupe qui a finalement dépassé le « rock indépendant » à tous les niveaux – via une bombe douloureusement sérieuse jusqu’aux chevrons. Mais leur dernière grande déclaration était une tentative de faire la satire du vide de la vie du 21e siècle en proie à la technologie via un projet artistique trouble et cynique, qui jouait contre leurs forces et jetait leurs tendances les plus ringardes et les plus maladroites sous un jour peu flatteur. Ce qui m’a le plus marqué, ce sont les éphémères : la campagne autour de 2017 Tout maintenant impliquait une vidéo avec un bouton « ignorer l’annonce » sur lequel on ne pouvait pas cliquer, un compte Twitter pour une fausse société qui plaisantait avec la présence en ligne officielle du groupe, et même un préemptif parodie de la propre critique de ce site Web de l’album au centre de cet assaut. (Tristement, le lien redirige maintenant vers arcadefire.com ; RIP Stéréoyum.)

La promotion en ligne intentionnellement odieuse aurait pu être plus amusante si Tout maintenant était aussi électrisant que peuvent l’être les albums d’Arcade Fire. Mais comme l’a écrit l’une des principales influences du groupe, vous ne pouvez pas allumer un feu sans étincelle, surtout pas un Arcade Fire. Tout maintenant a capturé avec succès l’épuisement et la frustration de son moment, mais il n’a pas atteint la catharsis. Ce groupe a toujours semblé abattu et fatigué – leur premier (et meilleur) album était un enfer accablé de chagrin appelé Funérailles – mais traditionnellement, ils ont canalisé des sentiments lourds dans des hymnes transcendants, le genre de chansons qui vous sortent du bourbier. Au lieu de cela, ils s’y complaisaient maintenant, se retirant dans l’ironie et les expériences aléatoires. C’était comme s’ils croyaient que leurs anciens cris de ralliement joueraient comme une caricature au plus fort de l’ère de la #résistance, mais ne savaient pas quoi faire à la place. Avec le recul Tout maintenant était un effort noble qui a produit du matériel fascinant et gratifiant, mais cela ressemblait finalement au son d’Arcade Fire errant dans le désert.

Notre peur collective a considérablement évolué depuis lors – troubles sociaux et économiques omniprésents, peste perturbatrice, aggravation de la crise environnementale, guerres et rumeurs de guerres, ce genre de choses – et si la perspective d’une épopée Arcade Fire au grand cœur et fièrement surmenée semblait autrefois banal, cela ressemble maintenant à un baume pour moi. Bonne nouvelle pour tous ceux qui ressentent la même chose : avec le producteur de Radiohead Nigel Godrich à ses côtés, le groupe a répondu à cette obscurité actuelle avec un opus apocalyptique qui embrasse chacune de leurs impulsions grandioses et se double peut-être d’un hommage à l’amour entre les co-leaders Win Butler et Régine Chassagne. NOUS sera probablement une sortie polarisante en raison de la façon dont il revient complètement vers le balayage maudlin de la grande tente qui a toujours été la lingua franca d’Arcade Fire. C’est un album trop attaché à la grandeur pour se soucier de savoir s’il est grinçant ou prétentieux. Et bien que je ne puisse blâmer personne qui se moque de la musique comme celle-ci, je n’ai pas aimé un album d’Arcade Fire aussi chèrement depuis ses débuts.

Quelques tests décisifs : est-ce que la pensée de Butler déclarant solennellement « Je me désabonne » – sur un piano qui évoque « Imagine » et La crise du logiciel, sur une saga multi-mouvements de neuf minutes intitulée « End Of The Empire I-IV » qui rappelle également David Bowie, Bright Eyes et Queen – vous fait rire avec dédain ou rire étourdi en sachant qu’Arcade Fire est de retour dans leur sac ? Pouvez-vous imaginer profiter d’un shimmy folk-rock chargé de cordes et prêt pour la publicité sur lequel Butler hurle: « Certaines personnes veulent le rock sans le roulement / Mais nous savons tous qu’il n’y a pas de Dieu sans âme », comme il le fait sur « Unconditional I (Lookout Kid) » – une sorte de chant de feu de camp sur le fait que vous ne pouvez pas toujours obtenir ce que vous voulez, alors vous devez vous déplacer librement tout en vous promenant du côté sauvage ? Qu’en est-il de la partie du morceau dance-rock pulsé «Age Of Anxiety II (Rabbit Hole)» où il prononce: «Born into the abyss / New phone who’s this?» Acheter dans NOUS nécessite non seulement de tolérer mais de savourer ce genre de lignes, de ne pas les entendre comme de l’auto-parodie, mais Arcade Fire possédant leur shtick à l’extrême, comme Bono, Bowie et le Boss avant eux. Vous devez vous soumettre à l’idée d’un groupe de rock servant un mélodrame à l’échelle IMAX avec des visages impassibles de 22 ans dans le 21e siècle. Et si vous le pouvez, wow, j’ai un album pour vous.

Librement inspiré du roman dystopique centenaire du même nom d’Evgueni Zamyatine, NOUS à certains égards, joue comme une ouverture de la carrière d’Arcade Fire, à la fois dans le son et la substance. Le groupe reste obsédé par son grand sujet, l’aliénation et la résilience face à une culture brisée ; ils continuent de l’explorer ici via des paroles et de la musique qui rappellent chaque album de leur catalogue à divers moments, de la douleur beuglante de Bible au néon sur la musique de fête électro-organique de Réflecteur. Mais malgré ce que le premier single « The Lightning I, II » aurait pu impliquer, ce n’est pas un Tout ce que vous ne pouvez pas laisser derrière vous-style redémarrage d’entreprise des gloires passées. Au contraire, c’est le son de ce groupe qui condense ce qu’il fait de mieux dans sa forme la plus puissante.

La concision est la clé de l’attrait de l’album. Contrairement à la plupart des albums d’Arcade Fire, NOUS n’a jamais la chance de s’enliser dans le remplissage. À 40 minutes (réparties sur sept ou 10 titres selon le format), il s’agit de l’album le plus court du groupe à ce jour. Parfois, c’est aussi leur plus minime; séparés de leurs compagnons de groupe en raison des restrictions COVID, Butler et Chassagne ont composé ces chansons sans savoir s’ils devraient enregistrer sans batterie. « Je pense qu’en raison de la façon dont nous avons écrit le disque pour travailler au piano et à la guitare, nous voulions vraiment que la musique ait de l’espace », a déclaré Butler au Gazette de Montréal. « Si les choses sonnent bien, vous ne voulez pas en ajouter autant. Il y a beaucoup de chansons qui sont les choses les plus spacieuses et les plus vides que nous ayons faites.

Vous pouvez entendre cet espace tout au long de l’album, en particulier dans les différents mouvements de « End Of The Empire » et la chanson titre sombre et pleine d’espoir, qui servent de finales pour leurs côtés respectifs. (Le côté « I » d’ouverture explore « la peur et la solitude de l’isolement », tandis que le côté « NOUS » de conclusion exprime « la joie et le pouvoir de la reconnexion ».) Pourtant, même dans ses moments les plus calmes, l’album semble énorme – et il est rarement reste silencieux longtemps. Une partie du génie de NOUS est la façon astucieuse dont ces chansons construisent et construisent et construisent, transformant les styles et empilant les instruments, comme si elles effectuaient un zoom arrière à partir d’un gros plan pour révéler de vastes paysages. Cela ne ressemble pas au travail d’un équipage squelettique, et ce n’est pas le cas; à la fin, Butler et Chassagne ont eu beaucoup d’aide. Au-delà des coéquipiers Richard Reed Parry, Tim Kingsbury, Jeremy Gara et Will Butler – le frère de Win, qui a quitté le groupe après la fin de l’album, affirmant qu’il avait changé, tout comme le groupe – les contributions des amis et de la famille abondent.

Chassagne a arrangé les cordes qui s’élèvent majestueusement sur ces chansons avec son vieux copain Owen Pallett, et sa collègue membre satellite de longue date Sarah Neufeld fait partie des nombreux joueurs qui donnent vie à ces parties. Les cuivres sont principalement gérés par des membres du Preservation Hall Jazz Band, un pilier de la ville d’adoption de Butler et Chassagne, la Nouvelle-Orléans. Steve Mackey de Pulp, qui faisait partie du Tout maintenant braintrust, a fait du travail de pré-production. Geoff Barrow de Portishead, qui a coproduit le point culminant abrasif de cet album « Creature Comfort » avec Mackey, a géré synthèse granulaire sur « Trou de lapin ». Deux chansons présentent la harpe de la mère des Butler, Liza Rey. L’un d’eux attribue également au fils de neuf ans de Butler et Chassagne, Eddie, des « chuchotements ». Le père John Misty, qui s’est envolé pour la Nouvelle-Orléans pendant le verrouillage de COVID pour offrir des conseils créatifs, aurait pu être entendu piétiner et respirer sur « Age Of Anxiety I ». Et la voix du grand Peter Gabriel donne un coup de fouet à la chanson d’amour synth-pop prête pour le club « Unconditional II (Race And Religion) ».





Vous pouvez lire l’article original (en Angais) sur le blogwww.stereogum.com