Vendredi, le Club 2 Club Festival revenait à New York pour une deuxième année consécutive. Fondé à Turin en 2002, le festival de musique s'est aventuré en Amérique du Nord avec un événement d'une journée au Knockdown Center dans le Queens au printemps dernier, repris cette année au même endroit avant le 25e anniversaire de l'événement italien phare de C2C cet automne.
C2C se présente comme une vitrine à la fois des créateurs de tendances établis et des favoris critiques émergents dans le domaine de la pop expérimentale et de la musique de club. Ces marqueurs de genre sont, bien sûr, déjà ténus, comme le sont la plupart des marqueurs de genre – je ne sais pas dans quels clubs les gens vont où les DJ jouent Elias Rønnenfelt et Los Thuthanaka – mais le caractère vague de termes comme « avant-pop » (que C2C utilise dans sa copie promotionnelle) ne laisse pas leur programmation vague ou incohérente. Au lieu de cela, cela confère au festival une note d’expansion curatoriale. De plus, je sais que je suis partial, mais si un effet secondaire est que le festival ressemble un peu à un camp d'été de critiques musicaux, cela me convient, surtout par rapport au camp d'été d'influenceurs, qui semble être l'ambiance par défaut des festivals de musique contemporaine à gros budget.
Je ne pense pas que quiconque penserait à décrire Titanic – le projet collaboratif guatémaltèque-vénézuélien du chanteur-violoncelliste Mabe Fratti et du guitariste I. La Catolica – comme de la musique de club. Mais quand je suis arrivé pour leur set (mon premier de la soirée), l'atmosphère était brumeuse, sombre et digne d'une piste de danse, les gens se balançaient au rythme du rock de chambre musclé sur le patio en béton, éclairé par des lumières violettes.
Techniquement, ce n’était pas mon premier événement C2C de la journée. Cet après-midi-là, je m'étais arrêté à la première station de radio indépendante de Brooklyn, He Lot Radio, où C2C avait envahi les ondes avec des DJ sets d'une poignée d'artistes de sa programmation. Mais quand je suis arrivé, à mi-chemin de la prise de contrôle, le Lot était étrangement mort – peut-être à cause du pop-up underscores que DJ était sur le point de commencer à quelques arrêts de train L, pour lequel j'ai rapidement abandonné le Lot, mettant une épingle dans C2C jusqu'au soir.
Au moment où je me suis retrouvé face à la barricade de la scène des « ruines » de Knockdown, du nom des structures en dalles de béton partiellement couvertes qui l'entourent, le ciel avait commencé à s'assombrir. J'ai été choqué par l'immensité du son live de Titanic, par la façon dont les morceaux HAGEN – un album dense, empilé et emballé – semblait se dérouler sur scène, rockant plus fort que leurs interprétations enregistrées passionnantes mais rationalisées. La voix de Fratti s'est envolée et s'est répercutée dans les ruines ; avec quelle rapidité elle pouvait faire tourner son violoncelle pincé et percutant. Dans les versions live de morceaux comme « Lágrima del sol » et « Gotera », ses cordes et moi-même, celles de La Catolica, se sont fondues d'une manière qui s'insinue dans votre cœur et secoue toutes les veines.
Le set d'Elias Rønnenfelt a suivi. Même si j'ai apprécié le travail solo de l'artiste danois par le passé, en particulier son album de l'année dernière, Parler des poignardset son single unique « des larmes sur ses anneaux et ses chaînes » produit par Dean Blunt et Vegyn – j'ai toujours préféré son travail avec Iceage, et j'avais supposé qu'un set de Rønnenfelt sans Iceage pourrait s'avérer plus doux que les performances live rauques du groupe punk. Il suffit de dire que j’ai eu tort. Presque toutes les chansons de la discographie de Rønnenfelt, qui sont nettement plus woozies et folk que son travail sur Iceage, se sont déroulées à une vitesse de 1,5 ou plus en live, donnant lieu à des interprétations folles de « USA Baby », « Mona Lisa » et « Blunt Force Trauma ». Quel que soit le projet, la présence scénique de Rønnenfelt est maniaque, tactile et imprévisible. Sa voix et ses cordes crépitent comme les étincelles d'un feu, ne prenant jamais deux fois la même forme.
Les punks locaux YHWH Nailgun ont fermé la scène extérieure avec un set de 11 minutes – oui, vous avez bien lu. Je m'étais arrêté au « Champagne Room » du Knockdown Center avant leur set pour profiter du bar ouvert sur le point de fermer, je me suis souvenu qu'un ami m'avait informé du micro-set de YHWH, et je l'avais rapidement ramené aux ruines pour faire pilonner les seuls tympans que Dieu m'avait donnés par près de 10 minutes de matériel entièrement nouveau de YHWH.
Les nouveautés se sont révélées encore plus violentes et arythmiques que celles de 2025. 45 livresun disque que j’ai adoré pour la façon dont il repousse les limites de la danse et pour ce qu’est même un « crochet ». En tant que groupe live, YHWH est incroyablement en phase les uns avec les autres, affichant une certaine cacophonie et un chaos qui ne proviennent que d'une précision immense et apparemment contre-intuitive. Lorsque Zach Borzone et sa compagnie ont quitté la scène, j'ai entendu quelques personnes dans la foule se demander à haute voix s'ils pourraient revenir pour un rappel et jouer quelques vieux trucs. Hélas, il n'y a pas eu de rappel. Quand ils ont dit 11 minutes, ils voulaient dire 11 minutes propres, pas une seconde de plus.
Alors que la partie ruines du festival touchait à sa fin, mes amis et moi avons migré à l'intérieur pour assister à un set de la productrice électronique anglaise Aya, une artiste dont je me suis retrouvé à me connecter davantage à la musique en live (et ce n'est pas seulement parce que je ne peux pas regarder la musique). Ensorcelé ! pochette d'album sans avoir l'impression que je vais vomir). D’une certaine manière, ses sons industriels sont encore plus abrasifs en live, incrustant leurs accroches sous votre peau. Sur ses disques, le sentiment d’effroi est rampant ; en direct, c'est déjà arrivé.
J'avais perdu la notion du temps en errant dans la cour et en retrouvant des amis (encore une fois, un camp d'été de critique musical), ce qui m'a malheureusement fait manquer presque tout le set d'Avalon Emerson – dommage, puisque le dernier album de l'auteur-compositeur-interprète, producteur et DJ new-yorkais, Écrit dans les modificationsest une très belle œuvre de dreampop terreuse. J'étais cependant à la barricade de Los Thuthanaka, le duo fraternel composé de Chuquimamani Condori et Joshua Chuquimia-Crampton, qui est devenu l'une des réussites critiques les plus originales de 2025 avec son disque éponyme et non masterisé.
J'avais vu Los Thuthanaka en live à la fin de l'année dernière, ce qui avait vraiment solidifié leur magie pour moi. Il y a quelque chose dans leur musique qui semble indescriptible à la manière du temps lui-même. Comment expliqueriez-vous ce que l’on ressent pendant une heure, un jour ou un mois ? De même, chaque fois que je vois Los Thuthanaka en concert, je trouve facile de les voir jouer encore et encore ce qui ressemble au même riff, immuable sur le moment, pour ensuite sentir que, dans sa répétition, tout a changé. C'est une musique qui vous plonge dans une transe et vous fait vous demander comment vous êtes arrivé presque exactement là où vous avez commencé.
Avant C2C, la première fois que j'avais vu Nourished by Time, c'était il y a presque trois ans au Pitchfork Music Festival, aujourd'hui disparu. Suite à la sortie de son disque 2023 Probiotique Érotique 2l'artiste de Baltimore a joué un set en début d'après-midi qui semblait pittoresque, presque shabby chic, mais qui m'a également semblé être un signe de son pouvoir de star naissant. En regardant Marcus Brown ouvrir un festival, je pouvais imaginer un avenir où il les clôturerait. Revenons à vendredi dernier, sur la scène principale du Knockdown Center après minuit, et son R&B rétro-futuriste a rempli la salle caverneuse, jetant son son étincelant partout dans la foule comme les points projetés par une boule disco. Il a débuté avec le doublé époustouflant de « Automatic Love » et « Idiot In The Park », deux de mes favoris personnels de l'année dernière. Les Passionnés. Cependant, le véritable moment de boucle pour moi a été « Shed That Fear », la chanson qui m'a fait tomber amoureux de la musique de Brown. Son refrain et sa basse retentissante donnaient l'impression qu'ils jouaient depuis un haut-parleur dans ma tête ; si je fermais les yeux, la pièce devenait une discothèque silencieuse et bouleversante.
Descendre du sommet du set transcendant de Nourished By Time n’a pas été facile. À ce stade, il était bien plus de minuit et j'étais debout depuis près de 12 heures, fonctionnant à l'adrénaline, à la tequila pêche-pamplemousse-Redbulls et aux bouffées de la vape d'un ami achetée au préposé aux toilettes pour 20 $ et qui avait le goût de quelqu'un qui avait sucé une pastèque Jolly Rancher puis craché dans votre bouche. Mort debout comme j'étais, j'étais déterminé à attraper le set en tête d'affiche d'Arca. Son intro instrumentale était presque aussi longue que toute la performance de YHWH Nailgun – des lignes de basse gutturales et craquantes parcouraient la pièce comme un orage imminent. C’était une introduction à juste titre bruyante pour le pionnier vénézuélien de l’électronique expérimentale, dont la présence sur scène est tout aussi captivante que ce à quoi je m’attendais.
« Bonsoir, Nueva York ! » » a-t-elle crié, avec ce que je ne peux que supposer être un clin d'œil. « Je vous aime les gars, amusez-vous! » À son signal, les lumières de la maison se sont atténuées et la pièce est devenue parsemée de colonnes de projecteurs violets et un rythme délétère a traversé la foule, de texture et de pression variable. L'ambiance sur le plateau d'Arca pourrait passer d'une « rave d'usine abandonnée » à une « semaine de la mode de la grotte des chauves-souris » en passant par « et s'il y avait une maison hantée au club ? — une véritable synthèse de la malléabilité musicale du festival. Son set, représentatif de toute l’expérience C2C, nous rappelle que la musique pop peut être ce que vous voulez.
Vous pouvez lire l’article original (en Angais) sur le blogstereogum.com